Lisa Herfeldt – social slush

About

Minimalism has become the aesthetic language of gentrification and displacement. In metropolises like Berlin, narrow, minimalist townhouses with beech wood balconies are squeezed between old structures, or apartment building facades are reduced after renovation by investors to signal that rich people with exquisite tastes now reside here. 

The inhabitants of these buildings often also represent a moderate minimal lifestyle. Many of them believe that minimalism is a kind of philosophy that helps people achieve greater concentration, balance, and creativity, as in Eat Pray Love or Marie Kondo for advanced learners. Of course, the neighborhood, including the populace, should not only be minimized and tidied up. The focus is to be shifted to the essential, the remaining detail, which is loosely arranged and presented as if by chance: A child on a Babboe cargo bike, a folkloristic woolen blanket in front of a washed-out concrete wall, Liv Ullmann eyeglasses, a fragile spiritual tattoo that flashes out beneath the sleeve of an A.P.C. blouse.

A somewhat forgotten forerunner of the poetically reduced aesthetics of the creative daddies and mothers with antenna buns is the so-called Post-Minimalism of the late 1960s. At that time, artists such as Eva Hesse, Robert Morris, and Paul Thek injected sex, queerness, politics, and poetry into the purity of Minimal Art. Like them, an entire generation of artists wanted to break out of the white cube and bring subjectivity into play without renouncing emptiness, distance, and reduction. Back then, this was associated with a great utopia: that art could make a difference in society, connect with life and the community.

Today’s educated hipsters deploy similar strategies. They absorb the aesthetics of Post-Minimal and the feminist avant-garde, throw in some eighties hedonism, and mix the whole thing with a hearty pinch of hygge, cocaine, and Biedermeier. The result is an undead culture that is progressive, green, liberal, climate-friendly, and feminist and at the same time embodies only one longing: for tidier, more tasteful, more manageable space—only a little less dirty and precarious, giving priority to huge high-tech strollers, galleries, and Montessori schools. Because this hypocritical pseudo-minimalist capitalism has parasitically infested her residential district in Kreuzberg, Lisa Herfeldt was forced to breed parasites herself that consume the current social slush.

The fabric sculptures she tailored for her exhibition at Between Bridges simulate huge, super flabby, super bored, disillusioned teenage tongues. They just hang out and take up space. Every now and then they lick at the room or the political mood, which is quite sobering, actually very sickening. Herfeldt’s sculptures, which, somewhat squeezed in, stick out of Plexiglas boxes and even look Post-Minimal. They embody this thinking and want to bring the political and the personal into a reduced form. At the same time, however, they are relatives of the doodles made by adolescents on a pad, or Dali-lip shaped ashtrays created in art classes in school. They are deliberately regressive and also a bit precarious. The fabric they are made of is normally used to make bomber jackets and sleeping bags. But they can also conjure up artificial leather sofas and quilted nylon blankets, all the things that deface minimal Bauhaus-style homes. Or the soaked jackets of people who spend hours standing at Kottbusser Tor on a winter’s day in freezing rain. Everything gets stuck on padded things—moisture, smells, dirt. Herfeldt’s tongues could serve as mats, wall cladding, or window insulation. One of her beige tongue objects blocks the exhibition space so that the dirt from shoes and prams inevitably sticks to it.

In her previous exhibitions Bodybuilding (2016) and Dream Home Heartache (2017), Herfeldt worked with small-format fabric sculptures in Plexiglas boxes. At that time, her miniature objects, reminiscent of sausages and tongues, corresponded with the colors and shapes of advertising pages from interior design magazines such as World of Interiors and Homes & Gardens. In social slush, however, the giant tongues do not refer to interiors or design. In terms of their proportions, the objects still react to the exhibition space, but not really in the sense of Minimal Art. They’re actually just hanging in the way, useless, anti-minimal, anti-furnishing, anti-displacement. But perhaps for this very reason they are also suitable as a bedspread for the culture of the undead.

Text by Oliver Koerner von Gustorf. English translation by Burke Barrett.

Minimalismus ist zur ästhetischen Sprache der Gentrifizierung und Verdrängung geworden. In Metropolen wie Berlin werden schmale, minimalistische Town Houses mit Buchenholzbalkons zwischen alte Bausubstanz gequetscht oder Fassaden von Mietshäusern nach der Sanierung durch Investoren schön schlicht herunter reduziert, um zu signalisieren, dass hier jetzt wirklich reiche und geschmackssichere Menschen wohnen. Die Bewohner dieser Häuser vertreten häufig ebenfalls einen gemäßigten minimalen Lifestyle. Viele von ihnen glauben, dass Minimalismus eine Art Philosophie ist, die hilft, mehr Konzentration, Balance und Kreativität zu finden, so wie Eat Pray Loveoder Marie Kondo für Fortgeschrittene. Natürlich soll die Umgebung mitsamt der Bevölkerung nicht nur minimalisiert und aufgeräumt werden. Der Fokus soll auf das Wesentliche, das übriggebliebene Detail gelenkt werden, das locker arrangiert und wie zufällig vorgeführt wird: das Kind im Babboe-Lastenfahrrad, die folkloristische Wolldecke vor der Waschbetonwand, das Liv Ullmann-Brillengestell, ein spirituelles Linien-Tattoo, das unter dem Ärmel einer A.P.C.-Bluse hervorblitzt.

Ein etwas in Vergessenheit geratener Pate der poetisch-reduzierten Ästhetik der Kreativ-Papis und Antennendutt-Muttis ist das sogenannte „Post-Minimal“ der späten 1960er-Jahre. Damals injizierten Künstler wie Eva Hesse, Robert Morris oder Paul Thek Sex, Queerness, Politik und Poesie in die Reinheit der Minimal Art. Wie sie wollte eine ganze Künstlergeneration aus dem White Cube ausbrechen, Subjektivität ins Spiel bringen, ohne dabei auf Leere, Distanz, Reduktion zu verzichten. Das war damals mit einer großen Utopie verbunden: dass Kunst gesellschaftlich etwas bewegen kann, sich mit dem Leben und der Gemeinschaft verbindet.

Die gebildeten Hipster von heute bedienen sich ähnlicher Strategien. Sie absorbieren die Ästhetik des Post-Minimal und der feministischen Avantgarde, streuen noch etwas Eighties-Hedonismus dazu und verrühren das Ganze mit einer deftigen Prise Hygge, Koks und Biedermeier. Das Resultat ist eine Untotenkultur, die progressiv, grün, liberal, klimaschonend, feministisch ist und dabei nur eine Sehnsucht verkörpert: nach mehr aufgeräumtem, geschmackvollem, überschaubarem Raum – mit nur ein wenig sozialem Dreck, Vorfahrt für riesige High-Tech-Kinderwagen, Galerien und Montessori-Schule. Weil dieser verlogene pseudo-minimalistische Kapitalismus auch ihr Wohngebiet in Kreuzberg parasitär befallen hat, sah sich Lisa Herfeldt gezwungen, selbst Parasiten zu züchten, die sich die aktuelle soziale Pampe mal reinziehen.

Die Stoffskulpturen, die sie auf den Ausstellungsraum von Between Bridgeszugeschnitten hat, gleichen riesigen, super schlappen, super gelangweilten, desillusionierten Teenager-Zungen. Sie hängen einfach nur ab und nehmen Platz ein. Ab und zu lecken sie am Raum oder der politischen Stimmung, die eher ernüchternd, eigentlich zum Kotzen ist. Herfeldts Skulpturen, die auch etwas eingequetscht aus Plexiglaskästen züngeln, sehen selbst nach Post-Minimal aus. Sie verkörpern tatsächlich dieses Denken und wollen das Politische und das Persönliche in eine reduzierte Form bringen. Zugleich sind sie aber Verwandte von Kuli-Kritzeleien, die man in der Pubertät auf eine Kladde malt, oder der Dali-Lippen-Aschenbecher, die im Kunstunterricht entstehen. Sie sind bewusst regressiv und auch ein bisschen prekär. Der Stoff, aus dem sie gemacht sind, dient normalerweise der Herstellung von Bomberjacken und Schlafsäcken. Man kann aber auch an Kunstledersofas und gesteppte Nylondecken denken, an all die Sachen, die jede Minimal-Bauhausbude verschandeln. Oder an die vollgesogenen Jacken von Leuten, die an einem Wintertag im Schneeregen stundenlang am Kotti stehen. An wattierten Sachen bleibt alles hängen, Feuchtigkeit, Gerüche, Dreck. Herfeldts Zungen könnten als Matten dienen, als Wandschmuck, Fensterisolation. Eines ihrer beigefarbenen Zungenobjekte versperrt den Ausstellungsraum, dass der Schmutz von Schuhen und Kinderwagen unweigerlich daran haften bleibt.

Herfeldt hat in ihren vorherigen Ausstellungen Bodybuilding (2016) und Dream Home Heartache (2017) mit kleinformatigen Stoffskulpturen in Plexiglaskästen gearbeitet. Damals korrespondierten ihre an Würste und Zungen erinnernden Miniaturobjekte mit den Farben und Formen von Anzeigenseiten aus Einrichtungsmagazinen wie World of Interiors oder Homes & Gardens. In social slush gibt es für die Riesenzungen allerdings keinen richtigen Referenzpunkt zu Einrichtung oder Design. Zwar reagieren die Objekte in ihren Proportionen noch auf den Ausstellungsort, aber auch nicht wirklich im Sinne von Minimal-Art. Sie sind eigentlich nur im Weg, unnütz, Anti-Minimal, Anti-Einrichtung, Anti-Verdrängung. Aber vielleicht eigenen sie sich gerade deshalb auch als Tagesdecke für die Untotenkultur.