Fallen Feathers (from the Phoenix series), Hilla Kurki

About

In living a life there are very few guarantees, but experiencing loss is one emotional hurdle we all will face at some given point. How we handle it depends upon its nature, but the death of a loved one carries its own signature. It is a fundamental human experience that can bring solace for some and the loss of self for others. Rebecca Solnit once wrote, „to be without a story is to be lost in the vastness of a world that spreads in all directions like Arctic tundra or a sea of ice“ (from The Faraway Nearby, 2013). This is the starting point in understanding Hilla Kurki‘s newest body of work Fallen Feathers (from the Phoenix series).

It begins with her sister’s death at the early age of 28 and how Kurki incorporates this personal tragedy into her own story, using her grief as stepping-stones towards a New Becoming. She transforms her sister’s forgotten black dresses into a bridge to link us through to her memories in hope of self-recovery. Kurki‘s photographs have a familiar feel to Yoko Ono‘s early performances from the 1960s, where she sits upon a stage in a self-induced trance while members of the audience come forward to cut pieces from her clothing. In a similar fashion, we see Kurki in Phoenix Piece (2016), dressed in one of her sister’s full-length designs, blankly staring into the camera. Slowly, over 36 individual frames she begins cutting from the bottom to the top in one continuous strip until, ultimately, she is naked. The photograph appears to be a documentation of a performance, however there is no audience apart from herself and her continuous inner dialogue. Kurki seeks another avenue, one that approaches self-recovery through her family’s legacy of weaving.

The tradition of cutting clothes of the deceased to weft. What could not be used was remodelled, deconstructed and then reconstructed as a form of pragmatic exorcism. By cutting, sewing and weaving, Kurki works through all her sister’s collected garments to reshape her personal story, to enable her to take back the authority to determine her own fate. In Kurki‘s own words she states, „Something is lost but something is reborn. It is a tender annihilation.“

What is essential in all of her works is the juxtaposition between the living body and the materiality of the textiles. Kuki‘s images portray a play within what we see and how it touches us. They set the stage where form meets the tactility of how it could feel. The dresses are symbolic vestiges, incomplete empty shells invoking the absence of presence. These compositions of Kurki‘s fall into the same shadow of Annika von Hauswolff’s piece, The memory of my mothers underwear transformed into a flameproof drape (2003), in how they seem to loom over the viewer, remaining both softly aloof yet menacing at the same time.

Hilla Kurki has gradually learned that sorrow can be grown out of like a snake’s skin can be shed. She states, „One cannot empty out an emotion just by feeling it. One can overcome it and learn to own it, by meticulously re-telling it“. This follows a long history of female artists who renegotiate the past through self-reflection and re-evaluation of their own families’ relationships and how a profound experience can endlessly resonate. Like a stone cast into a pond we are left with just a ripple, reminding us of the impact.

Hilla Kurki was born in Anjalankoski, Finland, in 1985. She lives and works in Helsinki. Kurki is currently pursuing her Master studies at Aalto University, School of Arts, Design and Architecture. Her recent exhibitions include Landscape Transformed, Myymälä2 (Helsinki, 2016), Error, Jukka Male Museum (Helsinki, 2016) and Summer School, The Finnish Museum of Photography (Helsinki, 2013).

Es gibt nur wenige Dinge im Leben, die unausweichlich sind; der emotionalen Hürde eines Verlustes muss sich aber jeder irgendwann stellen. Wie wir damit umgehen kommt auf das Wesen des Verlustes an. Der Tod eines geliebten Menschen jedoch trägt immer eine ganz eigene Signatur. Es ist eine elementare menschliche Erfahrung, die für den einen Trost bringt und für den anderen den Verlust seiner Selbst. Rebecca Solnit hat einmal geschrieben, „Keine Geschichte zu haben ist als würde man sich in der Weite dieser Welt verlieren, die sich in alle Richtungen erstreckt wie die arktische Tundra oder ein Meer aus Eis“ (aus The Faraway Nearby, 2013). Dies ist der Ausgangspunkt, für Hilla Kurkis neuste Serie Fallen Feathers (from the Phoenix series).

Es beginnt mit dem frühen Tod ihrer Schwester im Alter von nur 28 Jahren und mit Kurkis Einbeziehung dieser persönlichen Tragödie in ihre eigene Geschichte. Die Trauer wird zum Ausgangspunkt für einen Neuanfang. Kurki verwandelt die vergessenen schwarzen Kleider ihrer Schwester in eine Brücke, die eine Verbindung zu ihren Erinnerungen und ihrer Hoffnung auf Selbstheilung schlägt. Kurkis Fotografien erinnern an Yoko Onos frühe Performances in den 1960er Jahren, bei denen sie wie in einer selbstverursachten Trance auf der Bühne sitzt und das Publikum Stücke von ihrer Kleidung abschneiden lässt. Ähnlich sehen wir Kurki in Phoenix Piece (2016): In ein langes Kleid ihrer Schwester gehüllt, schaut sie mit starrem Blick in die Kamera. Langsam, über 36 Einzelbilder hinweg, beginnt sie von unten nach oben einen einzelnen kontinuierlichen Streifen aus dem Kleid zu schneiden bis sie schlussendlich nackt ist. Die Fotografie erscheint wie die Dokumentation einer Performance, jedoch gibt es kein Publikum, sondern nur sie selbst und ihren fortlaufenden inneren Dialog.

Kurki sucht nach einem eigenen Weg der Selbstheilung über das Weben als Vermächtnis ihrer Familie. Traditionell wurde die Kleidung der Verstorbenen in lange Bahnen geschnitten und verwebt. Was nicht verwendet werden konnte, wurde umgestaltet, dekonstruiert und rekonstruiert – wie eine Form von pragmatischem Exorzismus. Kurki formt ihre eigene Geschichte neu indem sie sich durch alle Kleider ihrer Schwester vorarbeitet; sie schneidet, näht und webt, um letztendlich die Kontrolle über ihr eigenes Schicksal zurückzuerlangen. Kurki selbst sagt, „Es ist etwas verloren gegangen, aber es wird auch etwas wiedergeboren. Es ist eine zärtliche Vernichtung.“

Die Gegenüberstellung des lebendigen Körpers und der Materialität der Textilien ist essenziell in ihren Arbeiten. Ihre Bilder spielen mit dem was wir sehen und wie es uns berührt. Sie schaffen die Voraussetzungen für ein Aufeinandertreffen von Form und Fühlbarkeit. Die Kleider sind symbolische Spuren, unvollständige leere Schalen, die die Abwesenheit des Daseins zitieren. Kurkis Werke rufen Annika von Hauswolffs Arbeit The memory of my mothers underwear transformed into a flameproof drape (2003) ins Gedächtnis und scheinen sich wie Wolken über dem Betrachter zusammenzuziehen, bleiben dabei aber zeitgleich vorsichtig distanziert und doch bedrohlich.

Hilla Kurki hat mit der Zeit gelernt, dass man über seine Trauer hinauswachsen kann, wie eine Schlange ihre Haut abstreift. Sie sagt, „Man kann eine Emotion nicht loswerden, nur indem man sie fühlt. Man kann sie überwinden und lernen, sie zu beherrschen indem man sie sich akribisch wieder und wieder vor Augen führt.“ Damit folgt sie einer langen Tradition von Künstlerinnen, die ihre Vergangenheit durch Selbstreflektion und Umbewertung ihrer familiären Verhältnisse neu verhandeln und in deren Werken eine tiefgreifende Erfahrung endlos nachhallen kann. Wie bei einem Stein, der ins Wasser geworfen wird, bleibt einzig das Kräuseln der Oberfläche, das uns an das Aufeinandertreffen erinnert.

Hilla Kurki wurde 1985 in Anjalankoski, Finland, geboren. Sie lebt und arbeitet in Helsinki. Zur Zeit absolviert Kurki ihren Master an der Aalto University, School of Arts, Design and Architecture. Zu ihren jüngsten Ausstellungen zählen Landscape Transformed, Myymälä2 (Helsinki, 2016), Error, Jukka Male Museum (Helsinki, 2016) und Summer School, The Finnish Museum of Photography (Helsinki, 2013).